ЭНЦИКЛОПЕДИЯ ХУДОЖНИКОВ от tapenik - О-П-Р-С

ОРЛОВ Пимен Никитич

Среди отечественных живописцев середины XIX века было немало художников, не обделенных ни талантом, ни трудоспособностью, ни склонностью к добропорядочной жизни. И их картины, несущие несомненные мастерство, красоту, притягательность, вызывали у современников одобрение и любовь. Но проходило какое-то время, память о художниках заметно ослабевала, популярность их полотен заметно снижалась. Видимо, в своем творчестве живописцы не переходили размытую грань, отделяющую большой талант от таланта, мастерство с искрой божьей от мастерства без нее. К числу названных художников относится и Пимен Никитич Орлов, ученик К.П. Брюлова в Академии художеств (1834—1837), куда он поступил после бедных детства и юности, когда он, покинув родительский дом, зарабатывал средства на жизнь писанием образов и портретов помещиков Воронежской губернии. Большую часть жизни после Академии Пимен Орлов провел в Италии, куда он при содействии Общества поощрения художников отправился в 1841 году. Там быстро завоевывал известность благодаря своим многочисленным картинам, выполненным в итальянском варианте бытового классицизма с его преувеличенной красотой в изображении персонажей и обстановки. Картины пользовались большим спросом и на родине, поэтому художник щепетильно относился к тому, чтобы они вовремя доставлялись в Петербург. Находят свое место в художественных галереях или частных коллекциях популярные портреты П.Н. Орлова. С 1857 года художник — академик. С его картинами можно познакомиться в главных музеях страны, а это верное свидетельство того, что память о П.Н. Орлове жива и его имя — среди видных представителей замечательной русской живописи XIX века.

Висенте Лопес ПОРТАНЬЯ (1772-1850) считается одним из лучших испанских живописцев своего времени, вторым по мастерству после Гойи. Молодой Висенте начал изучать живопись в возрасте 13 лет, в своём родном городе, под руководством монаха-францисканца Антонио де Виллануэва, а затем в валенсийской Королевской академии изящных искусств Сан-Карлос.

Юноше исполнилось 17 лет, когда он выиграл несколько первых призов в Академии Сан-Карлос Проучившись три года в Мадриде у известного валенсийского художника Мариано Сальвадора Маэльи., Висенте в 1794 возвращается в Валенсию, где занимает пост заместителя директора Академии искусств, в которой ранее учился. При этом нельзя не отметить, что большое влияние на художника в период его обучения в Мадриде, оказало не только творчество самого Маэльи, но и творчество Когда король Карл IV в 1802 году посетил город Турья, он назначил художника своим почетным придворным художником, сразу же заказав ему несколько работ, которые были успешно выполнены.

К 1810-м годам, после французской оккупации, Лопес Портанья был уже хорошо известным художником, поэтому в 1814 году испанский король Фердинанд VII вызвал художника в Мадрид, удостоил его аудиенции и назначил официальным придворным художником. Вскоре после этого Лопесу Портанья удалось сделать при дворе успешную карьеру, при том, что «первым королевским художником» в то время был сам Франсиско Гойя. Фердинанд VII назначил Лопеса Портанья учителем рисования своей второй жены — Марии Изабеллы Португальской, а затем и третьей жены — Марии Жозефы Саксонской.

За годы своего творчества Лопес и Портанья создал портреты всех значимых персон испанского общества I половины XIX столетия. В 1826 году Лопес и Портанья написал портрет Франсиско Гойи, когда известный мастер посетил двор в Бордо, где художник тогда жил. Гойе было тогда 80 лет, и через два года он умрет. По свидетельствам очевидцев, Гойе быстро надоело позировать коллеге, который был очень дотошен к деталям, и именно по этой причине, как считают искусствоведы, портрет Гойи уступает другим портретам Лопеса. Однако, именно портрет Гойи является самой известной работой Висенте Лопеса Портанья.

Остаток своей жизни Висенте Лопес провел в Мадриде, он писал портреты государственных деятелей и ученых, а также драматические религиозные сюжеты. Умер художник в должности придворного живописца королевы Изабеллы II 22 июля 1850года в возрасте (77 лет) в Мадриде, где и был похоронен.

Американский художник-импрессионист Уильям Макгрегор Пэкстон (1869 – 1941) – представитель Бостонской школы живописи, художник, преподаватель и один из основателей бостонской Гильдии художников. В середине 1870-х семья Пэкстонов приехада в Нью-Корнер, где отец будущего художника открыл ресторан. В 18 Уильям получил стипендию для учебы в Школе искусств Коулз, где обучался у Денниса Банкера. Как и многие его современники, Уильям Макгрегор Пакстон учился в парижской Академии Жюлиана. Во Франции он также учился у знаменитого художника Жан-Леона Жерома. По возвращении на родину, в Бостон, он занялся изображением американского среднего класса, создавая портреты и идиллические бытовые сцены. Параллельно он обучался у Джозефа Декампа. На этих занятиях Уильям встретил свою будущую жену Элизабет. С 1905 по 1914 год Пэкстон работал главным образом в своей студии. В это время его портреты пользовались огромным спросом у бостонской элиты. Наибольшую известность и популярность Пэкстону принесло его внимание к деталям: то, как он передавал игру света на различных поверхностях, как одинаково подробно и достоверно мог изобразить человеческую кожу и ткань. На его портретах женщины почти всегда идеализированы, приближенные к неким «эталонным образцам». Уильям Пэкстон известен как превосходный мастер портретов. Кроме того, вёл преподавательскую деятельность в Школе Искусств при бостонском музее. Наряду с другими художниками его времени, такими, как Эдмунд Тарбелл и Фрэнк Бенсон, имя Уильяма Пэкстона отождествляется с Бостонской Школой. В 1928 г Пэкстон был избран полноправным членом Национальной Академии искусств. Уильям скончался в возрасте 72 лет от сердечного приступа во время работы над своим последним полотном, изображающим жену.

Пармиджанино (Parmigianino) (настоящее имя Джироламо Маццола, Mazzola) (11 января 1503, Парма - 24 сентября 1540, Казальмаджоре, Ломбардия), итальянский художник, один из крупнейших живописцев маньеризма. Родился в семье живописца Ф. Маццолы, который и был его главным наставником в искусстве. Позднее получил обычное для той эпохи топонимическое прозвище ("уроженец Пармы"). Испытал влияние Рафаэля и Микеланджело, но в первую очередь Корреджо, именно в этом городе создавшего свои главные произведения. Стиль Пармиджанино – рафинированный и несколько искусственный, с декоративной линеарностью и серебристыми оттенками палитры, предвосхищающими живопись рококо. Уже в ранний период проявил себя и как выдающийся портретист, умеющий впечатляюще акцентировать аристократическое благородство своих моделей и окутывать их, благодаря деталям антуража. В 1524 году Пармиджанино прибыл в Рим, где был представлен новоизбранному папе Клименту VII. Дабы продемонстрировать свое мастерство преподнес папе несколько картин, в том числе знаменитый "Автопортрет в выпуклом зеркале" (1524), где блестяще разрешил достаточно сложную перспективную задачу, в итоге придав своему изображению (с огромной рукой на переднем плане, более крупной, чем голова) почти "сюрреалистический" облик. В главном его религиозном образе того периода ("Видение Св. Иеронима", 1527) закрепилось влечение Пармиджанино к идеалу загадочной, отрешенной от мира красоты. После погромов, которыми сопровождался захват Рима войсками Священной Римской империи, в 1527 году спешно уехал в Болонью, а оттуда в 1531 году возвратился в родной город. В последние десять с небольшим лет своей недолгой жизни исполнил три лучшие свои религиозные картины - "Богоматерь со Св. Маргаритой и др. святыми" (конец 1520-х годов), "Богоматерь с розой" (конец 1520-х - начало 1530-х годов) и прославленную "Богоматерь с длинной шеей" (1534-1540), ставшую его своеобразным творческим завещанием. Все в последней композиции - и "спиралевидная" поза Марии, и божественный Младенец, не то крепко заснувший, не то мертвый, и непонятная колонна позади (предметно акцентирующая неестественно-удлиненную шею Богоматери) - призвано заинтриговать зрителя, оставив его в тревожном беспокойстве. Загадочного обаяния полна и т. н. "Антея" (портрет неизвестной юной женщины, скорее всего, куртизанки; около 1535-1537 годов); ее взгляд, как это всегда бывает в портретах Пармиджанино, пристально, почти гипнотически направлен прямо на зрителя. С 1531 года работал над росписями пармской церкви Санта-Мария-делла-Стекката, но задержка с их завершением привела в итоге к его заключению в тюрьму (1539). Выпущенный под залог, бежал в Казальмаджоре. Оставил также значительное графическое наследие - рисунки и офорты (Пармиджанино одним из первых итальянских художников освоил эту технику).

ПЕРОВ Василий Григорьевич (1833/1834-1882), русский художник. Родился в Тобольске 21 или 23 декабря 1833 (2 или 4 января 1834). Был незаконным сыном местного прокурора, барона Г.К.Криденера, фамилию же "Перов" дал будущему художнику в виде прозвища его учитель грамоты, заштатный дьячок.

В 1843–1846 годах Василий Перов учился в арзамасском уездном училище, самостоятельно занимался рисованием. После окончания училища он поступил в художественную школу Александра Ступина. Мальчик усердно учился и даже начал писать масляными красками — раньше, чем другие ученики. В конце 1840-х он уже написал несколько портретов и жанровых полотен: «Нищий, просящий милостыню», «Деревенская тройка», «Народное гулянье в семик».

(1853-1861) — в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Одним из его наставников был С.К.Зарянко. Испытал особое влияние П.А.Федотова, мастера журнальной сатирической графики, а из зарубежных мастеров — У.Хогарта и жанристов дюссельдорфской школы. его товарищами стали начинающие художники со всей России, близким другом — молодой пейзажист Иван Шишкин, преподавателями — Михаил Скотти, Николай Рамазанов и Аполлон Мокрицкий, ученик Венецианова. Годы обучения стали для молодого Перова нелегкими: вначале ему было негде жить, он все время испытывал финансовые трудности. Начинающий художник даже однажды чуть не бросил школу, но один из преподавателей, Егор Васильев, приютил его в собственной квартире.

В 1856 году Перова ждал первый успех: за этюд головы мальчика он получил малую серебряную медаль на конкурсе Академии художеств. В следующем году за картину «Приезд станового на следствие» — большую серебряную медаль.

В 1861 году Перов закончил Школу живописи и получил золотую медаль первого класса за картину «Проповедь в селе». Жил в Москве. Был одним из членов-учредителей "Товарищества передвижников" (1870).

Василий Перов умер от чахотки в 1882 году, ему на тот момент было 48 лет. Его похоронили в Даниловом монастыре, а позже перезахоронили на кладбище Донского монастыря.

Джованни Баттиста Пиранези (итал. Giovanni Battista Piranesi, или итал. Giambattista Piranesi; 4 октября 1720, Мольяно-Венето (близ города Тревизо) — 9 ноября 1778, Рим) — итальянский археолог, архитектор и художник-график, мастер архитектурных пейзажей, исследователь и коллекционер римских древностей, издатель эстампов. Единственный в своём роде художник, составивший полную картину античных памятников, обнаруженных в его время, и творивший собственный фантастический мир архитектуры

Родился в Мольяно-Венето, близ Тревизо, в семье каменотёса. Обучался основам латыни и классической литературы у своего старшего брата Андреа. Основы архитектуры постигал, работая в "Магистрате вод" (Magistrato delle Acque) Венеции, организации, отвечающей за реставрацию исторических зданий, под руководством своего дяди Маттео Луччези.

1740 год - приехал в Рим и работал в качестве чертёжника для Марко Фоскарини, венецианского посла при Папе Римском Бенедикте XIV. Проживал в Палаццо Венеция и обучался в мастерской Джузеппе Вази, который познакомил его с искусством гравюры на металле и архитектурными памятниками города Рима. Возможно, учился перспективе у Джованни Мария Галли Бибьена и гравюре у Андреа Цукки]. Пиранези сотрудничал с учениками Французской академии в Риме, многое почерпнул у знатока римских древностей Ш.-Л. Клериссо.

1743—1747 гг. - жил в основном в Венеции, где, в числе прочего, работал вместе с Джованни Баттиста Тьеполо. Затем он вернулся в Рим, где открыл собственную мастерскую на Виа дель Корсо. Изучал работы М. Риччи и Дж. П. Панини.

1743 - опубликовал в Риме свою первую серию офортов под названием «Первая часть архитектурных набросков и перспектив, придуманных и награвированных Джованни Баттиста Пиранези, венецианским архитектором» (Prima parte di Architettura e Prospettive...),

1745 - "Разные виды Рима, древние и современные" (Varie Vedute di Roma Antica e Moderna).

1767 году художник стал рыцарем Золотой Шпоры , что позволило ему отныне подписывать себя "Cav [aliere] Piranesi".

В течение всей жизни работал над серией гравюр «Виды Рима» (Veduti di Roma). Это очень большие листы (в среднем около 40 см в высоту и 60—70 см в ширину), которые сохранили для нас облик Рима в XVIII веке.

1749 - впервые издана серия гравюр «Фантастические изображения темниц», более известная как просто «Темницы». «Темницы» — это мрачные и пугающие своими размерами и отсутствием постижимой логики архитектурные построения, где пространства загадочны, как непонятно и предназначение этих лестниц, мостиков, переходов, блоков и цепей.

В сфере практической архитектуры деятельность Пиранези была весьма скромной, хотя сам он подписывался - «венецианский архитектор». Сделал большое количество рисунков и чертежей, но возвёл мало зданий, поэтому с его именем связывают понятие «бумажная архитектура».

К концу жизни Пиранези стал одним из самых знаменитых граждан Рима.

Интерес к античному миру проявился в занятиях археологией. Пиранези посетил Помпеи. За год до смерти исследовал древнегреческие храмы в Пестуме, тогда почти неизвестные, и создал прекрасную серию больших гравюр, посвящённых этому ансамблю. Пиранези был избран почётным членом Общества антикваров Лондона.

ПЛАТОНОВ Харитон Платонович

Крестьянский сын Харитон Платонов достойно прошел курс обучения в Академии художеств (1859-1870). Получив за годы обучения три серебряных медали и звание классного художника третьей степени, он стал учителем рисования в Царскосельском уездном училище. Дальнейший профессиональный и, следовательно, общественный рост был связан с практической работой и участием в академических выставках. В 1872 году Х.П. Платонов за картины "Голова крестьянки" и "Лакомка" получает звание классного художника второй степени, а в 1884 году за картины "Маруся", "Бродяжка", "С работы", продемонстрированные на академической выставке, живописец удостаивается звания классного художника первой степени. Герои, точнее героини его холстов - хорошо знакомые живописцу по детским годам крестьянские дети: "Девочка Курской губернии" (1873), "Цыганка" (1877), "Голова малороссиянки" (1886), "Купите ягоды" (1888). Красивые головки Х.П. Платонова охотно раскупаются коллекционерами - да и как устоять против устремленных на вас детских или юношеских красивых глазенок. Именно ими оставил след в русской живописи Х.П. Платонов.

ПЛЮШАР Евгений Александрович

Наверное, не стоит ломать много копий по поводу принадлежности Евгения Александровича Плюшара к той или иной национальной живописи. Был французом по рождению, художественное образование получил в Германии (1828—1832), но с 1832 года жил и работал в Петербурге, стал академиком Императорской Академии художеств и даже занимался, как мы сейчас бы сказали, бизнесом в России. В 1836 году Е. Плюшар был признан "назначенным" в академики за картину "Одалиска". В 1839 году стал академиком, представив на утверждение в звании "Портрет музыканта Карла Липиньского", знаменитого композитора, виртуоза и первого императорского российского концертиста. Как фундаментальную работу, в которой Е.А. Плюшар участвовал наравне со светилами отечественной живописи, следует назвать росписи Исаакиевского собора (живописец изобразил историю Моисея). Что же касается предпринимательской деятельности Плюшара, то общеизвестен факт основания им одного из первых в Петербурге фотографического заведения. Молодое дело подпитывалось кадрами старого, как мир, изобразительного искусства.

Алан Рамсей (Allan Ramsay ) - шотландский художник, старший сын поэта Алана Рамсея (1685—1758).

Учился в Лондоне, Риме, Неаполе, сначала работал в Эдинбурге, позже в Италии (1755-1757).

В 1757, после завершения портрета Георга III, тогда еще принца Уэльского, Рамсей стал придворным портретистом. В 1762 он переехал в Лондон, где получил постоянную работу при дворе. Хотя работа при дворе обеспечила щедрый и устойчивый доход, это стало причиной утраты Рамсеем артистической индивидуальности. Все его лучшие работы были выполнены до придворного назначения. Его стиль был простым и утонченным, он особенно проявлялся в портретах женщин. Изящество композиции и тонкость живописного исполнения полотен Рамсея позволяют считать его предшественником замечательных английских портретистов следующих десятилетий - Рейнольдса и Гейнсборо.

Поскольку помимо портретов членов королевской семьи он был обязан создавать множество копий картин из королевской коллекции, Рамсей должен был отказаться от посторонних заказов. Живопись стала для него механическим процессом, пока несчастный случай (травма руки) в 1773 не заставил его оставить искусство вообще. Однако лучшие картины Рамсея навсегда остались среди высших достижений британского искусства. Был избран членом Королевской Академии и пожалован в рыцари.

Рафаэль Санти (Raffaello Santi) – итальянский художник, мастер графики и архитектурных решений, представитель умбрийской живописной школы эпохи Возрождения.

Рафаэль Санти появился на свет в три часа ночи в семье художника и декоратора 6 апреля 1483 г. в итальянском городе Урбино (Urbino) на востоке Италии. Отец - Джованни Санти (Giovanni Santi) работал в замке урбинского герцога Федерико да Монтефельтро (Federico da Montefeltro), мать Марджи Чарла (Margie Charla) занималась домашним хозяйством. Отец рано заметил способности сына к живописи и часто брал его с собой во дворец, где мальчик общался с такими известными художниками как Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca), Паоло Уччелло (Paolo Uccello) и Лука Синьорелли (Luca Signorelli).

В возрасте 8-ми лет Рафаэль лишился матери и отец привел в дом новую жену Бернардину, которая не проявляла любви к чужому ребенку. В возрасте 12 лет мальчик остался круглым сиротой, потеряв и отца. Попечители отправили юное дарование на обучение к Пьетро Ваннуччи в Перуджу.

До 1504 г. Рафаэль получал образование в школе Перуджино, с энтузиазмом изучая мастерство учителя и стараясь во всем ему подражать. Дружелюбный, обаятельный, лишенный заносчивости молодой человек всюду находил друзей и быстро перенимал опыт учителей. Вскоре его произведения невозможно стало отличить от работ Пьетро Перуджино.

Первыми знаменитыми шедеврами Рафаэля стали картины: «Обручение Девы Марии» (Lo sposalizio della Vergine), 1504 г., выставлена в Миланской галерее Пинакотека Брера (Pinacoteca di Brera); «Мадонна Конестабиле» (Madonna Connestabile), 1504 г., принадлежит Эрмитажу (Санкт-Петербург); «Сон рыцаря» (Sogno del cavaliere), 1504 г., картина выставлена в Национальной Галерее (National Gallery) Лондона; «Три грации» (Tre Grazie), 1504 г. выставлена в музее Конде (Musee Conde) в Шантийи (Chateau de Chantilly), Франция;

РЕЙПОЛЬСКИЙ Александр Дмитриевич

Рембрандт Харменс ван Рейн родился 15 июля 1606 года в Лейдене, одном из крупнейших голландских городов. Его отец, Хармен, был зажиточным мельником. Фамилия художника «ван Рейн» означает «с Рейна».

В мае 1620 года, в возрасте 13 лет, он поступил в одно из старейших учебных заведений Европы — Лейденский университет.

В 1625 или 1626 году Рембрандт возвратился в Лейден. Здесь он подружился с другим подающим надежды живописцем (тоже учеником Ластмана), Яном Ливенсом, — на протяжении нескольких лет они часто писали вместе, и временами их работы настолько походили друг на друга, что установить авторство одного из художников представлялось делом почти безнадежным.

В Лейдене Рембрандт чаще всего писал небольшие по размеру сюжетные картины (это были трактовки религиозных сюжетов, портреты и автопортреты, характерные сценки). Теперь он стал работать на заказ, что позволило ему быстро добиться успеха.

В июне 1633 года Рембрандт обручился с двоюродной сестрой Эйленбюрха, Саскией, а спустя год женился на ней.

Между 1635 и 1640 годами Саския родила троих детей, но все они умирали, прожив на свете лишь несколько недель. В 1641 году она родила четвертого (и последнего) своего ребенка. Родители назвали сына Титус. Титус выжил, но вскоре умерла сама Саския. Ей было 29 лет. В год смерти Саскии художник закончил «Ночной дозор», свою самую большую и самую знаменитую картину. Но жизнь Рембрандта уже дала трещину. Безмерно опечаленный смертью любимой жены, художник не мог заставить себя сконцентрироваться на привычной работе — заказных портретах — и быстро растерял богатых заказчиков. Он увлеченно писал другие полотна — их темой стала библейская история.

В 1656 году художник оказался не в состоянии платить своим кредиторам и едва не угодил в долговую тюрьму. Ему удалось избежать самого худшего с помощью законной операции, называвшейся «cessio bonorum» (что значит «передача долга»).

С тех пор Рембрандт жил на скромных квартирах в бедных кварталах города. Это не помешало ему оставаться в глазах сограждан достойным человеком и уважаемым мастером.

В 1661—62 годах он получил два своих самых крупных и престижных заказа: картину «Заговор Юлия Цивилиса» для новой амстердамской ратуши и групповой портрет «Синдики» для здания гильдии суконщиков. Закат художника, несмотря на необычайный творческий подъем, был печален.

В 1663 году умерла его верная спутница Хендрикье. Позже Рембрандт похоронил сына, следом — невестку. Осенью 1669 года настал и его черед — 4 октября тихо и незаметно покинул этот свет величайший мастер голландской живописи. (Информация отсюда http://www.rembrandts.ru/)

Пьер Огюст Ренуар (фр. Pierre-Auguste Renoir; 25 февраля 1841, Лимож — 2 декабря 1919, Канье-сюр-Мер) — французский живописец, график и скульптор, один из основателей импрессионизма.

Ренуар редко бывал на пленэре, игра света и солнечные пятна были интересны ему, когда падали на нежную женскую кожу или на золотистые волосы ребенка. Ренуара всегда интересовали люди – и все главные принципы импрессионизма он реализовал в портретах своих родных, друзей, состоятельных заказчиков, любимых моделей, иногда – известных и влиятельных, иногда – случайно встреченных и уже давно забытых.

Особенности творчества художника Пьера Огюста Ренуара: эмоциональность, мимолетность, быстрый живописный набросок, создаваемый по первому впечатлению – все те задачи, вокруг которых были сосредоточены поиски всех художников-импрессионистов, Ренуар решал в масштабных многофигурных картинах и в камерных семейных портретах. Постоянно отыскивая художественную истину, он в разные периоды жизни кардинально меняет манеру письма и пробует новые колористические решения: то сосредотачивается на четкости рисунка, то отказывается от светлой палитры в пользу насыщенно красной или многоголосой черной. (Информация отсюда https://artchive.ru/pierreaugusterenoir)

Альфред Ретель (1816— 1859). Немецкий живописец, график, мастер дюссельдорфской школы. В 13 лет начал посещать дюссельдорфскую Академию художеств. С 1834 был переведен в мастерский класс за хорошие способности, отмеченные его педагогами Г. К. Кольбе и Ф. Т. Хильдебрандтом. В раннем творчестве испытал влияние назарейцев, произведений К. Ф. Лессинга, с 1836 продолжил обучение во Франкфурте-на-Майне у Ф. Вейта, был известным историческим живописцем. Вершиной его творчества стали фрески ратуши в Ахене (1846—1847) на сюжеты из жизни Карла Великого. С 1847 работал в Ахене, приезжая в Дюссельдорф, Дрезден, Бланкенбург. Два раза посещал Италию (1844—1845; 1852—1853). С 1853 перестал работать из-за болезни.

Франсуа Огюст Рене Роден (1840–1917) — удивительный скульптор, талантливый и очень противоречивый, новатор в искусстве XIX века и основоположник современного искусства. Он потрясающе точно воспроизводил человеческое тело и его эмоциональные состояния. Его фигуры словно вырастают из целых пластов необработанного камня.

А в детстве он расстраивал своего отца - Жана Батиста Родена. В школе Роден не смог освоить арифметику, не подружился с латынью, с трудом научился читать, а уж писал и вовсе как ребенок, медленно и с ошибками. Стать чиновником ему было не суждено, вся надежда хоть на какое-нибудь ремесло, чтобы зарабатывать на жизнь.

В пятнадцать лет, будучи студентом Королевской школы искусств, Огюст Роден каждый день приходил в Лувр, любовался Тицианом и Рембрандтом, а потом спускался этажом ниже и копировал античные статуи. У него не было денег на краски и холст, а вот на карандаш и бумагу денег всегда хватало. В Королевской школе учили основательно и бесплатно: выпускники становились потом помощниками ювелиров, граверов, рисовали паттерны для тканей, узоры для кружев и географические карты, вырезали из дерева и камня декоративные элементы для украшения общественных зданий, церквей и частных домов. Дальше Роден учился уже сам, и этот период затянулся у него до 20 лет. Он реставрировал городские памятники, обтесывал мраморные глыбы, отливал формы, вырезал декорации и орнаменты, читал книги, рисовал растения и птиц, изучал чучела диких животных в Музее естественной истории, украшал скульптурами здание Брюссельской биржи под началом именитого скульптора Каррье-Беллёза. Во время войны служил в Национальной гвардии. Родену приходилось работать по 12-14 часов в сутки, чтобы отправлять из Бельгии скудные денежные запасы в Париж, жене и сыну. Не всегда с письмом удавалось отправлять и деньги. «Вообрази себе, моя маленькая Роза, у меня были большие трудности. Около трех месяцев я вообще не работал». Когда Роден начнет прилично зарабатывать, отливая в Бельгии бронзовые статуэтки, Роза сможет приехать к нему. Роза была ему и женой, и натурщицей – потому что денег на натурщиков конечно нет.

В 1877 году скульптура «Бронзовый век», принятая в Салон, наконец принесет Родену славу, хоть и неоднозначную. Скульптора обвинили в использовании слепка с живого (или того хуже мертвого) натурщика. Натурщик, бельгийский солдат, согласился предстать обнаженным перед жюри, его не выпустили из страны, потом назначили комиссию по расследованию, потом была написана жалоба помощнику министра.

К концу XIX века Роден стал самым известным и востребованным скульптором Франции. В его мастерской работали около 50 помощников. Кто-то изготавливал гипсовые формы, кто-то высекал элементы из мрамора. Здесь трудились рядом патинировщики, литейщики, мастера, уменьшающие и увеличивающие исходные формы до нужного размера. Приходивший в торговый зал заказчик мог выбрать нужную скульптуру, потом определиться с размером – и ему отливали из бронзы нужную фигуру. Биограф Родена Рут Батлер подсчитала, что только между 1898 и 1918 годами в его мастерской отлили 319 «Поцелуев».

Еще при жизни скульптора был принят законопроект о создании музея Родена в его парижской мастерской.

Луис Ройо (Luis Royo), испанский фотохудожник, рисовальщик и иллюстратор. Родился в 1954 году в городке Теруэл в Испании. Получил образование в Сарагосе в Школе технического дизайна и Школе прикладного искусства. С 1972 по 1976 год Луис Ройо участвовал в нескольких общественных художественных выставках. В 1977 начал создавать картины большого формата с использованием различной техники живо-писи и коллажа. С 1978 года Луис Ройо начал публиковать собственные комиксы в различных журналах фантастической направленности и в 1980 году его работы были выставлены в Ангулеме. В 1983 году Ройо начинает сотрудничать с испанским издательством “Norma Editorial”. В последующие годы работы Ройо публикуются не только в Испании, но во всем мире. Он работает иллюстратором с издательствами “Tor Books”, “Berkley Books”, “Avon”, “Warner Books”, “Bantam Books” в США, Анг-лии, Швеции и других странах. Кроме того, он оформляет обложки для известнейших американских и европейских журналов. С 1990 года Луис Ройо все больше времени уделяет своему творчеству, создавая картины как свободный художник, и практически не выполняет коммерческих заказов. При создании своих произве-дений Ройо использует техники фотографического коллажа с дальнейшей трансформацией картины в живописное полотно. В 1992 году в Испании выходит первый сборник работ Ройо — “Women”(Женщины), который получает широкую известность и переиздается в Германии и Франции. В 1994 году “Norma Editorial” выпустила новый альбом “Malefic” (Вредный), который повторно был вы-пущен во Франции, Италии и других странах. В 1996 году сотрудничает с журналом “Пентхаус”, в котором о творчесте Ройо была опублико-вана обширная статья. Другая статья, посвященная его иллюстрациям появилась в еженедельном италь-янском журнале “Стампа”. Выходит новый альбом “Secrets” (Тайны) и Луису Ройо присуждается награ-да ассоциации Silver Award Spectrum как лучшему иллюстратору в искусстве фэнтези 1996 года. Совме-стно с журналом “Хэви Метал” издательство “Norma Editorial” выпустило его портфолио. В 1997 году “Хэви Метал” (Heavy Metal), журнал, который регулярно публиковал его работы на обложках и календарях, посвятил свою галерею ему и заказал ему обложку для 20-й годовщины выпус-ка журнала, также как и серию иллюстраций. В 1998 году Ройо выпустил в свет еще один альбом “Millennium” (Тысячелетие), в котором ней художник отразил свое видение конца тысячелетия. В 1999 году опубликована его новый альбом “Dreams” (Грезы), в который вошли все коммерческие иллюстра-ции, созданные художником за последние 10 лет. Позже в этом же году вышел новый альбом “Prohibited Book” (Запретная Книга). Эта художественная издание создано в ином ключе, работы Ройо стали более откровенны и эротичны

Рокотов Федор Степанович (1735?-1808). О первых годах жизни, художественном образовании и начале творческой деятельности великого портретиста известно совсем немного. Скудные данные говорят о том, что родился Ф. Рокотов в крепостной семье известных в России князей Репниных. Рано получил вольную (дань таланту?). Чуть ли не М.В. Ломоносов стал его «кресным отцом» в искусстве. После того, как Федор Степанович стал известным живописцем, он имел многочисленные заказы — для их выполнения пришлось открывать собственную мастерскую. Академик с 1765 года. С 1767 года живет и пишет многочисленные портреты в Москве — именно она больше соответствовала внутреннему миру художника и способствовала созданию его бессмертных шедевров. По протекции И. И. Шувалова и рекомендации М. В. Ломоносова в 1757 г. художнику было поручено исполнение мозаичного портрета императрицы Елизаветы Петровны (с оригинала Л. Токке), заказанного для Московского университета. Эта работа имела успех при дворе, благодаря чему Рокотов позднее получил предложение написать портреты Петра III (1762?), Екатерины II (1769?) и семилетнего великого князя Павла Петровича (1761), будущего императора Павла I. Вслед за царствующими особами у Рокотова пожелали заказать свои портреты и их приближенные - всесильные графы Орловы и влиятельные графы Шуваловы, убеленный сединами адмирал князь И. Л. Голенищев-Кутузов (1764?) и юная княжна Е. Б. Юсупова (1760-е). Одновременно с известностью Рокотову стала благоволить и служебная карьера. Шувалов направил его в Петербургскую АХ, где в 1765 г. художник был удостоен звания академика живописи.

Россети (Rossetti), Данте Габриэль, знаменитый английский поэт и живописец, 1828-82, ученик живописца Мадокса-Брауна, глава школы прерафаэлитов. Родился 12 мая 1828 года в Лондоне в семье итальянского политического эмигранта, поэта и ученого. Россетти с детства был приобщен к шедеврам итальянской литературы, к "Божественной комедии" Данте, и этими впечатлениями отмечено все его творчество. Он не получил систематического художественного образования, учась периодически. Встреча Россетти с Хантом и Миллесом привела их к созданию в 1848 г. Братства прерафаэлитов, цель которого было возвращение к искусству высоких и чистых идеалов Раннего Возрождения, дорафаэлевского периода. В 1850 г. они представляют свои новые произведения, вызвавшие скандал реалистичной трактовкой религиозных сюжетов ("Благовещение"). Ко времени 1850-60-е гг. относится написание Россетти самых значительных произведений. Он отказался от масляной живописи и обратился к созданию акварелей на сюжеты из Средневековья. Его картины напоминали фантастические миражи, наполненные глубоким потаенным смыслом, большим количеством предметов и персонажей. Его главным выразительным средством становится линия, утонченная и изысканная, придающая картинам особую орнаментальную декоративность. Музой художника стала его жена Э. Сиддал, воплотившая на его полотнах идеал женской красоты. После ее смерти он создал одну из лучших работ - "Beata Beatrix" (1863-64). В последние годы Россетти писал женские портреты, в которых религиозный идеализм ранних работ уступает место иной духовности - чувственности ("Возлюбленная", 1865-66). Мистические картины и акварели, преимущественно на евангелические темы, сюжеты из Данте. Оригинальные и благородные композиции, идеализм религиозного настроения - реализм исполнения, обдуманное и тщательное исполнение деталей, одухотворенная красота лиц (преимущественно женских), изысканность нежного интенсивного колорита.

Ротари Пьетро Антонио (1707-1762), итальянский живописец родился в Вероне 30 сентября 1707. Вплоть до 1734 учился в художественных мастерских Венеции, Рима и Неаполя, в частности у Д.Б.Пьяцетты в Венеции, после чего вернулся в родной город, где устроил в своем доме частную академию. С 1750 работал в Вене при дворе Марии Терезии (познакомился здесь с Ж.-Э.Лиотаром, испытав значительное его влияние), а затем в Дрездене. Писал картины на исторические, религиозные и мифологические сюжеты. В 1756 по приглашению Елизаветы Петровны прибыл в Петербург. Занимался в основном портретной живописью и всегда имел большой успех. Елизавета Петровна, Петр III, Екатерина II одинаково благоволили ему. Полотно "Александр и Роксана" было исполнено для Екатерины Алексеевны в бытность ее великой княгиней для ее дворца в Ораниенбауме. В период бурного роста русской культуры, Ротари не испытывал недостатка в заказах. Чаще ему позировали представительницы прекрасного пола - их изящные, идеализированные образы кисти итальянца становились украшением дворянских особняков. Напротив, мужские портреты художника, нередко изображая людей активных в общественной и государственной деятельности, конкретнее выявляли личные качества модели. Среди его произведений – портрет Ф.Б.Растрелли. Однако вошел в историю в первую очередь типажными образами юных девушек Он писал быстро и создал сотни камерных, почти одного формата портретов; множество их было куплено Екатериной II и помещено в пригородных дворцах. («Кабинет Мод и Граций» в Большом дворце в Петергофе-Петродворце, «кабинеты Ротари» в Китайском дворце в Ораниенбауме-Ломоносове и Гатчинском дворце, «Салон Ротари» в поместье Юсуповых в Архангельском). Сквозь безличную миловидность этих картин выразительно просвечивает стихия искусства рококо. «Головки» имели и большое педагогическое значение, поскольку в их создании принимали активное участие русские подмастерья итальянского художника (Ротари организовал частное художественное училище и в России). Среди его учеников был А.П.Антропов; несомненное влияние Ротари испытали И.П.Аргунов и Ф.С.Рокотов. Умер Ротари в Петербурге 31 августа (11 сентября) 1762

Андрей Петрович Рябушкин (1861–1904), мастер исторической композиции, родился в семье крестьянина-иконописца Тамбовской губернии, в селе Станичная Слобода Борисоглебского уезда (ныне Борисоглебский район Воронежской области).

Мальчик был удивительно одаренным. У него были способности не только к рисованию, но и абсолютный музыкальный слух и очень красивый голос. Талант крестьянского сына был замечен руководителем архиерейского хора, и Андрея привлекли к участию в церковных песнопениях. Музыка всецело захватила мальчика, даже свободное время он не проводил праздно, осваивая игру на различных музыкальных инструментах. Репетиции и выступления не оставляли ему много этого самого времени, ведь участие в работе хора оказалось тяжелой работой. Однажды во время исполнения «Херувимской» Андрей, пытаясь взять очень высокую ноту, сорвал голос. Как оказалось, навсегда, с пением пришлось распрощаться. Но горе пришло не одно - почти одновременно с этим мальчик осиротел. Повезло, что его тезка и земляк - Андрей Преображенский, тоже художник-иконописец решил забрать молодого Рябушкина с собой в Москву, где и определил его на учебу в Училище живописи, ваяния и зодчества. Выучившись, он без труда поступил в Петербургскую Художественную Академию.

Умер Рябушкин всего сорока трех лет от туберкулеза легких в усадьбе родственника Тюменева - В. В. Беляева, где художник прожил последние три года. Ему удалось сделать много, но возникает ощущение, что он сказал не все, что мог.

Хрупкий и болезненный, "словно носящий в себе какую-то тайну", "человек большого таланта и больших, скрытых страстей" (М. В. Нестеров), А. П. Рябушкин создал картины, в которых в поэтической форме и со свойственным ему природным чувством декоративности представил быт Древней Руси.

"После Сурикова - это наш второй исторический живописец. А по тонкости, деликатности и поэтичности своего неповторимого стиля он во многом и превзойдет нашего гениального сибиряка», - писал об Андрее Рябушкине художник и основатель объединения "Мир Искусства" Александр Бенуа.

24 мая 2020 года – 190 лет со дня рождения художника А.К. Саврасова (1830—1897);

Алексей Саврасов родился в бедной семье, в Москве. Мальчик с 12 лет самостоятельно начал заниматься живописью, чего не оценил его отец. Для Кондратия Саврасова живописцы считались малярами. Но талант маленького Алексея быстро заметили уличные торговцы и его картины стали покупать. Уже в 19 лет его считали "надеждой русской живописи". В 1850 году Саврасов успешно оканчивает художественное училище и получает звание художник. Его преподаватель, Николай Рамазанов, так писал о нем: «Дышат свежестью, разнообразием и тою силою, которая усваивается кистью художника вследствие теплого и вместе разумного воззрения на природу». Вся жизнь художника складывалась прекрасно. Прекрасная семья, дружба с известными художниками, меценатами, известность и многочисленные путешествия. Саврасов даже стал преподавать в Московском училище живописи и ваяния, которое сам окончил.

В 1870 годы художник переживает самые лучшие годы в своей карьере, но вскоре умирает его новорожденная дочь и заболела супруга. Художнику понадобилось много времени, чтобы прийти в себя и снова продолжить работать. Отойдя от потери, в 1871 году Саврасов пишет свою самую знаменитую работу "Грачи прилетели". В конце 1870-х наступает кризис в жизни художника. Он был болен, сильно похудел и резко поседел, стал крайне бедно одеваться, а так же от него ушла жена. Вскоре Саврасова уволили из училища, в котором он проработал 25 лет, работы его покупались за бесценок. Художник начинает сильно пить, у него появляются очень серьезные проблемы со зрением. Близкие делают не одну попытку спасти Саврасова, целых два года художник пере стает пить и снова пишет работы, но они уже не пользуются прежней популярностью и подвергаются критике. Все это вновь побуждает художника взяться за бутылку. Когда-то отменный живописец, прекрасный преподаватель и любимец всех любителей искусства, теперь пишет картины за еду и выпивку.

Умер великий живописец осенью 1897 года, но его заслуга в русской живописи не будет забыта никогда.

Джованни Батиста Сальви, Сассоферрато (итал. Giovanni Battista Salvi da Sassoferrato; 25 августа 1609, Сассоферрато — 8 августа1685) — итальянский живописец, представитель эпохи барокко. Родился в Сассоферрато, еще в молодости приехал в Рим, где поступил в мастерскую Доменикино. о месту рождения его и называют чаще всего - Джованни Сассоферрато.

О жизни Джованни известно немного. Он родился в небольшом городке Сассоферрато, в регионе Марке центральной Италии. Городок расположен на полпути между Римом и Флоренцией, к западу от Апеннинских гор. Живописи Джованни начал учиться у своего отца, художника Тарквино Сальви. Фрагменты работ Тарквино до сих пор различимы в церкви Святого Франциска в Сассоферрато. Где Джованни заканчивал своё обучение - неизвестно, однако можно предположить, что у Доменикино, в Болонье. Доменикино же был старшим учеником у Аннибале Карраччи Двое других учеников Караччи, Франческо Альбани и Гвидо Рени, также оказали влияние на творчество Джованни Сассофератто. Картины Джованни выдают, в том числе, влияния Альбрехта Дюрера, Гверчино и, в большей степени - Рафаэля. И, наконец, возможно он испытал влияние творчества Пьера Миньяра, с которым, скорее всего, встречался в Риме в 1630-х годах.

Особняком от его небольших работ, стоят картины, написанные для церкви Сан-Пьетро в монастыре бенедиктинцев, в Перудже, и роспись внушительного алтаря в Санта-Сабине, в Риме, где он написал портрет Ла Мадонна дел Розарио (La Madonna del Rosario) (1643). В 1683 кардинал Чиги преподнёс автопортрет Джованни Сассоферрато герцогу Козимо III Медичи. Сасоферрато умер в 1685. Его завещание датировано 29 июня того же года. (Информация отсюда - https://forum.artinvestment.ru/blog.php?b=298931)

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) - американский художник, один из наиболее успешных живописцев прекрасной эпохи.

Он появился на свет в 1856 году в семье врача во Флоренции, но всегда подчёркивал тот факт, что он – американец, вероятно потому, что его родители были выходцами из Америки. Всё его детство прошло в путешествиях по странам Европы, образование он получал дома – его интеллигентным родителям удалось обеспечить сына прочным и надёжным багажом разносторонних знаний. Мать мальчика хорошо разбиралась в живописи и даже рисовала на любительском уровне. Она сразу заметила тягу сына к рисованию. Был приглашён учитель живописи на дом, который заложил необходимые навыки для того, чтобы продолжить обучение в Академии изящных искусств во Флоренции.

В 1874 году Джон вместе с отцом направляется в Париж, где юноша под руководством известного учителя Шарля Эмиля Дюрана постигал тайны классической живописи. На первой картине Сарджента, которую он выставил на традиционном парижском Салоне, был запечатлён его французский учитель Дюран – таким образом Джон продемонстрировал своё бесконечное уважение и благодарность мэтру. Любители живописи сразу оценили мастерство молодого художника, популярность которого стала расти как на дрожжах. Вскоре вместе с известностью пришла и востребованность – Сарджент стал по-настоящему модным художником в столице мировой моды.

Большая часть картин им созданных принадлежит к портретной живописи. Среди его моделей были натурщицы Розина Феррара, Кармела Бертанья, Виржини Готро (Портрет мадам Икс), актрисы Эллен Терри и Элеонора Дузе, писательница Жюдит Готье, художница и фотограф, меценатка и собирательница живописи Сара Сирс. Среди мужских портретов — портреты Теодора Рузвельта, Вудро Вильсона, Генри Джеймса, Роберта Льюиса Стивенсона, Уильяма Батлера Йейтса.

Появление в 1884 году его картины «Портрет мадам Икс» произвело эффект разорвавшейся бомбы - по тем временам было крайне недопустимо изображать женщину со скандальной репутацией в виде дамы принадлежащей высшему сословию, но, тем не менее, сохраняющей некоторые отличительные черты скандальной особы. Это было невероятным оскорблением для высших кругов французского общества конца 19 века. Результатом всего этого происшествия стало постепенное уменьшение количества заказов, которых раньше было очень много, что и стало причиной его переезда в Лондон в 1886 году.

А вот в США художника ждал неожиданный успех в США, куда он направился в 1887 году. Богатые американцы щедро платили ему за работу, а на его персональной экспозиции в 1888 году яблоку негде было упасть.

Художника не стало в 1925 году, он скончался от инфаркта в Лондоне. О его невероятной творческой плодовитости свидетельствуют более трёх тысяч картин, созданных масляными и акварельными красками и ещё большее число разных эскизов.

Михаил Алексеевич Сатаров родился в Москве 3 октября 1963. В 10 лет начал заниматься живописью в московской художественной студии при дворце пионеров.

В 1985 году закончил Московское художественное училище памяти 1905 года. Классическое профессиональное образование получил в Московском государственном академическом художественном институте им. В.И.Сурикова, которое закончил в 1992 году.

Художник очень успешно экспериментирует в самых различных стилях, ему удаются и портреты, и натюрморты, и морские виды, и пейзажи, и сказочные сюжеты. Мастерство проявляется в каждом полотне. В жизни и творчестве Михаилу Сатарову помогает вся семья: его жена Мария и трое детей.

Франциск Смуглевич (1745, Варшава - 1807, Вильна), - польский художник, основоположник литовской национальной школы живописи. Писал картины для костелов Варшавы и других городов Польши. Он - автор цикла акварелей с видами архитектурных памятников Вильны.

Франциск Смуглевич родился 6 октября 1745 года в Варшаве. Его первым учителем был отец художник Лукаш Смуглевич.
1763 - 1764 - учеба в Риме у Антонио Марона.
1765 - учеба в римской Академии художеств Святого Луки как стипендиат короля Станислава Августа.
1784 – Возвращение в Польшу, в Варшаву. Здесь он создает частную школу живописи.
Он также основал кафедру живописи в Главной виленской школе, которая была в 1803 году преобразована в императорский Виленский университет.
1800–1801 годах Смуглевич жил и работал в Санкт-Петербурге, где оформлял интерьеры Михайловского замка.
Благодаря многочисленным репродукциям, широко известны акварели Смуглевича, зафиксировавшие ворота виленской городской стены и развалины королевского замка в Вильне.
1802 - вместе с братом Антонием Смуглевичем декорировал зал заседаний в Главной виленской школе, ныне Зал Смуглявичюса Вильнюсского университета.
1807 18 сентября - Франциск Смуглевич умер в Вильне.

Александр Петрович Соколов являлся младшим сыном известного мастера и академика акварельной живописи Петра Федоровича Соколова. Подобно своим двум старшим братьям он с детства имел наклонности к художественному творчеству. Не став заканчивать петербургскую гимназию, он едет в Москву и поступает (1847) в Училище живописи, ваяния и зодчества. После двух лет занятий в училище возвращается в Петербург и становится вольноприходящим учеником Императорской Академии художеств. По окончании академического курса А. Соколов получает звание свободного художника за Портрет корнета Киреева (1854). В дальнейшем посвятил себя акварельной, преимущественно портретной живописи и вскоре добивается в этом виде изобразительного искусства впечатляющих результатов. В 1859 году за Портрет госпожи фон Крузе, портреты ее детей и своего брата, Петра Петровича Соколова, художник получает звание академика акварельной живописи.

В 1881 году А.П. Соколов примкнул к Товариществу передвижных художественных выставок и с того времени экспонировал на выставках этого художественного объединения свои новые работы. Особенно удаются художнику женские портреты, образцы которых можно видеть в наше время в Русском музее, Третьяковке и других ведущих собраниях картин страны. Живописца часто приглашали в императорскую семью, где он неоднократно писал портреты вдовствующей императрицы Марии Федоровны и других женских представителей царствующей фамилии.

С 1892 по 1897 год А.П. Соколов занимал должность хранителя музеев Академии художеств. В 1896 стал действительным членом Академии художеств.

Фредерик Джон Ллойд Стревенс (1902-1990) родился в Лондоне. Семья была небогатой, поэтому ему приходилось самому зарабатывать. И его первые работы были не только способом заработка на жизнь, но и возможностью личного самовыражения. Первые творения мастера представляли собой роспись рекламных материалов: постеров, продуктовых этикеток и подарочных коробок. На всех он изображал прелестных женщин, девушек, изящных, нежных, лукавых и невинных одновременно. Именно так он и в жизни относился к "слабому полу", одухотворяя его и любуясь.

Художник получил известность в военные годы благодаря серии постеров. Он много писал портретов на заказ, изображая миловидных дам, и при этом демонстрировал всему миру неизбитый мужской взгляд на грацию, нежность и одухотворенность девичьего образа.

В 1952 г Стревенс получил Золотую медаль в Парижском салоне, позднее выставлялся в Лондонской Королевской Академии.

Умер романтик в 1990 г в возрасте 88 лет так ни разу и не изменив своему целомудренному представлению о женщине.

Соларио Андреа 1470-1514 (?) - был самым талантливым миланским учеником Леонардо да Винчи. Он овладел многими приемами живописи великого мастера, но не смог освоить то, что Леонардо называл самым трудным в живописи: умение в жестах "передавать движение мысли". Внешние приемы, трактовка форм, сочность письма, моделировка - все это напоминало произведения Леонардо, но в работах Соларио не было той глубины мысли, переживания, которые присущи творениям учителя. Вместе с тем в работах Соларио нет плагиата, его творчество - переживание уроков Леонардо, порой преувеличенно эмоциональное, даже нервное, оно открыло начало новому взгляду на живопись, который получил свое развитие в XIX в. "Мадонна с зеленой подушкой" - произведение, исполненное в тот период, когда Соларио работал во Франции и его успех при Дворе был очевиден. Среди известных произведений - "Голова св. Иоанна Крестителя" (1507. Лувр, Париж).

Стрелковский Алексей Иванович (1819 - ?) - русский художник. Ученик Московского училища живописи и ваяния. В 1844 г. Академией Художеств ему дано было дано звание неклассного художника; в 1857 г. - звание академика за акварели "Голова старика", "Голова старухи", "Девушка в финляндском костюме" и "Автопортрет". (Кондаков) В Москве в 1843 году на основе Художественного класса было учреждено Московское училище живописи и ваяния (МУЖВ), слово «зодчество» в названии появится лишь в 1865 году. А уже в 1844 году ученик МУЖВ Алексей Иванович Стрелковский получил от санкт-петербургской Академии художеств звание неклассного художника. Специализацией художника стала акварельная живопись. Именно за успехи в ней (портреты "Голова старика", "Голова старухи", "Девушка в финляндском костюме", "Портрет г-жи Ивановой", "Автопортрет") А.И. Стрелковский в 1857 году получил звание академика портретной акварельной живописи. В последующие годы на академических и других выставках регулярно появлялись написанные маслом и акварелью жанровые работы, многочисленные портреты и портретные композиции. Среди них — "Сельская школа", "Счастливица", "Отдых после сенокоса", "Рыболов", "Малороссиянка", "Нищий", "Этюд старика", "Головка девочки" и др. Представленные репродукции работ А.И. Стрелковского несут полное представление об особенностях и достоинствах акварельной живописи, отличающейся безупречным рисунком, тонкостью живописи и красотой тонов. Впрочем, звание академика во все времена являлось знаком таланта и высокого мастерства.